ARTELOGIE VIII
(DECEMBRE 2015-JANVIER 2016)
SOMMAIRE


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Numéro 5

  • Feminist Disruptions in Mexican Art, 1975 - 1987

    Between 1975 and 1987 feminism in the arts in Mexico delineated a unique situation, one without parallel in the panorama of Latin American art. In a group of exhibitions, works and texts, women’s place in Mexican art was critically analyzed, unfolding a broad map of positions. Although a chronology and list of names of the artists who shaped this scenario have been established, the intervention that each work proposed in the debate on women’s place and the feminine that gained visibility during those years has not yet been examined. Based on a situated analysis of these works, this article proposes to discuss these works’ intervention in configuring how the debate on artistic feminism took shape during this period in Mexico.

  • El despertar de la conciencia. Impacto de las teorías feministas sobre las artistas de Buenos Aires durante las décadas del ’70 y ‘80

    Durante los años setenta la Argentina vive la conformación de los primeros grupos feministas del país, quienes desarrollarán reuniones de reflexión y discusión sobre problemáticas comunes a todas las mujeres. En 1969 se organiza la Unión Feminista Argentina, de cuyos orígenes participa la cineasta María Luisa Bemberg. En 1971 se constituye el Movimiento de Liberación Femenina, en el que participará la artista, fotógrafa y activista Ilse Fusková.

    Las lecturas de Simone de Beauvoir, Betty Friedan, Carla Lonzi, Kate Millett, Shulamith Firestone, entre otras, fueron constantes. El esclarecimiento de Beauvoir sobre el entramado que sostiene la opresión femenina, al igual que su concepto de inmanencia vinculado con el ideal de domesticidad, impactará sobre las artistas. Asimismo la dialéctica amo-esclavo que plantea el Escupamos sobre Hegel de Carla Lonzi, -teniendo en cuenta que la traducción de este texto se realiza en el Buenos Aires de los ‘70- es valiosa para poder analizar varios de los trabajos artísticos.

    En el presente artículo se buscará revisar la crítica al ideal de domesticidad que presentan los trabajos de las artistas María Luisa Bemberg y Monique Altschul y los vínculos existentes con las principales pensadoras del movimiento de mujeres de los años 70, ya sean del ámbito local como del mundo europeo y anglosajón.

  • Tramas feministas na arte contemporânea brasileira e argentina : Rosana Paulino e Claudia Contreras

    Esse artigo propõe analisar as produções das artistas contemporâneas Rosana Paulino (São Paulo, Brasil, 1967-) e Claudia Contreras (Buenos Aires, Argentina, 1956-) que criticam práticas misóginas, apresentando um espaço privilegiado de intersecção com o pensamento feminista. Suas experimentações artísticas oferecem elementos para a compreensão das relações entre arte e gênero na América Latina e são exemplos de tensões culturais e de intervenções críticas que atravessam diferentes mulheres artistas na atualidade.

  • Del naufragio al cautiverio : Pintores europeos, mujeres chilenas e indios Mapuche a mediados del siglo XIX

    En 1859, después de años de viajar por Sudamérica y de un largo periodo en Chile, el artista francés Raymond Q. Monvoisin (1790-1870) expuso en el salón parisino un grupo de obras que daban cuenta de sus “experiencias sudamericanas”. Entre ellas, Monvoisin presentó un díptico conformado por “El naufragio del joven Daniel” y “Elisa Bravo Jaramillo de Bañados, mujer del cacique” (ambas de 1859). Situándose más allá de los acontecimientos reales que gatillaron la concepción del díptico, Monvoisin transformó un naufragio producido en las costas del sur de Chile en una ficción bárbara cuyos principales actores eran los Mapuche. Utilizando como punto de partida la iconografía de la “cautiva”, un tema conocido y utilizado desde la época de la colonia, el díptico contribuyó a presentar a la Araucanía, zona Mapuche por excelencia, como una región indomable que debía ser conquistada y dominada por el estado chileno.

    Este artículo analizará el díptico de Elisa Bravo a la luz de la representación de la mujer al interior de discursos coloniales y de expansión imperial, reconstruyendo el lugar de la mujer decimonónica entre redes artísticas y simbólicas, entre Chile y Sudamérica y entre Sudamérica y Europa.

  • Raça, gênero e projeto branqueador : “a redenção de Cam”, de modesto brocos

    Desde seu lançamento em 1895, o quadro “A Redenção de Cam”, do artista espanhol Modesto Brocos, tem provocado a crítica de arte a um debate que não necessariamente se fia à questão formal, mas antes se volta ao assunto que marcou a concepção da tela : a ideia de embranquecimento racial. A imagem é um retrato de família marcado pelas distintas gradações de cor na pele das personagens – do marrom escuro (“negro”) da avó, ao “branco” do neto e de seu pai, passando pela mãe, morena, cuja tez adquire na tela um tom dourado. Em consonância, o grande interesse despertado pela pintura, que recebeu a medalha de ouro naquela Exposição Geral de Belas Artes, parece atado ao tema das uniões interraciais no Brasil e, em especial, à sua transformação em emblema dos debates sobre o futuro de um país marcado pela forte presença de uma população que não se define nem como negra, nem como branca, e pelos impasses que a chamada mestiçagem trazia para uma nação que se pretendia, no futuro, branca, num momento de auge do pensamento racialista na esfera pública. Um episódio tem sido particularmente apontado como um marco na recepção da tela, qual seja, o fato de João Batista de Lacerda, diretor do Museu Nacional, tê-la incorporado à comunicação que apresentou ao I Congresso Universal das Raças, em Londres, em 1911. O quadro tornava-se, nas mãos do cientista, uma evidência de sua tese, segundo a qual, por efeito da evolução e da entrada de imigrantes europeus, levaria três gerações ou um século para que o país se tornasse evidentemente branco.

    O presente artigo pretende situar a pintura no marco de uma perspectiva branca sobre populações não-brancas e também contextualizar a tela como expoente de um ponto de vista masculino – o que permite abrir espaços para refletir sobre os lugares que um olhar marcado por intersecções entre raça e gênero destina às mulheres não-brancas. É sugestivo que, em primeiro lugar, as personagens de pele mais clara sejam aquelas do sexo masculino. Em segundo lugar, que a cena guarde correlações formais com a iconografia religiosa, sobretudo a da natividade, com a mulata correspondendo à figura de Virgem Maria e o bebê, ao menino Jesus. Ao dialogar com a forma da pintura bíblica, a cena abre mão de uma perspectiva voyeurista do corpo feminino, em prol de um viés que poderia ser visto de alguma maneira como beatificante. E provoca a refletir sobre os motivos dessa decisão. Argumentamos que a escolha do artista por tal composição deixam entrever determinados critérios de aceitabilidade para as uniões interraciais – que passam por caracterizações específicas dos corpos femininos não-brancos –, sob um ponto de vista masculino. Além disso, é digna de nota a opção por evidenciar mulheres não-brancas de duas gerações, cujos filhos tiveram pais brancos e nunca uma inversão de gênero e cor. Tendo esses elementos em vista, o artigo se pergunta se nessa tela a abordagem não-voyeurista da presença feminina teria a intenção de destituir de sentido o desejo masculino do espectador e quais seriam suas motivações.

  • El trabajo recompensado : mujeres, artes y movimientos femeninos en la Buenos Aires de entresiglos

    Las reflexiones en torno a la educación artística y a un grupo de mujeres artistas contemporáneas constituyen dos aspectos poco conocidos de las fructíferas relaciones entre artes y tempranos movimientos de mujeres. En primer lugar, el estudio de las escuelas para mujeres promovidas por estos movimientos así como el análisis de los múltiples discursos que las rodeaban ofrecen la oportunidad de explorar las fronteras entre el gran arte y las artes femeninas, destinadas a servir como medio de emancipación de las mujeres a través del trabajo remunerado. En este contexto, las coordenadas de género y clase social se imbrican decisivamente dando origen a discursos atravesados por la necesidad de elevar el gusto de las mujeres pertenecientes a clases medias y bajas. Por otro lado, ciertas artistas fueron saludadas como exponentes elocuentes del progreso femenino. Esta admiración encierra claves para comprender qué ideas en torno a la mujer artista fueron difundidas mediante publicaciones periódicas feministas y también cómo dialogaron con otros medios contemporáneos, también atentos a estas figuras.

  • Del caballete al telar. La Academia Nacional de Bellas Artes, las escuelas profesionales y los debates en torno de la formación artística femenina en la Argentina de la primera mitad del siglo XX

    En el paso del siglo XIX al XX, la aparición en Argentina de “escuelas profesionales”, instituciones de enseñanza de artes decorativas y aplicadas para mujeres de clase media y baja, significó para ellas la apertura de la profesión artística por fuera de la Academia. El artículo examina el contexto de creación de estos establecimientos y propone términos de comparación entre la educación artística ofrecida allí y en la Academia. Se analiza en qué medida factores como la pertenencia de clase, las representaciones sociales de la práctica artística y las representaciones de género mediaron tanto en la elección como en la valoración de las artes decorativas, que aunque ausentes de la historiografía canónica del arte argentino, fueron prácticas socialmente visibles cuya consideración fluctuó entre el “arte” y las “artes femeninas”.

  • Estéticas de resistencia : Las artistas chilenas y la vanguardia femenina (1900-1936)

    No obstante la pervivencia de la doctrina de las esferas separadas y de la noción excluyente de arte femenino, que relegó a las pintoras chilenas al ejercicio de géneros pictóricos como los bodegones o pintura de género y paisajes, las preocupaciones del mundo moderno en los primeros años del siglo XX, en torno a la educación, los derechos sociales y la independencia económica, otorgarán nuevas libertades a las artistas.

    La autolegitimación se verá facilitada por la oposición constante y excluyente del modernismo a la cultura de masas, como lo plantea Susan Kirkpatrick, hacia la incorporación del cuerpo femenino como auto representación de la propia autonomía artística durante los primeros treinta años del siglo. Una estrategia que permitirá a las artistas integrarse a los circuitos del arte chileno, pero que las excluyó de la inscripción histórica, situación que revisaremos en el presente artículo.

  • Género y cultura visual. Adrienne Macaire-Bacle en la historia del arte argentino. Buenos Aires (1828-1838)

    En este trabajo analizamos la trayectoria de Adrienne Pauline Macaire (1796-1855), artista suiza activa en Buenos Aires durante el primer tercio del siglo XIX. Junto a su marido, César Hipólito Bacle, estableció la primera empresa litográfica en Argentina en 1828, la que permanecería abierta hasta 1837. Macaire realizó gran parte de los dibujos e ilustraciones salidos del establecimiento litográfico. Su producción comprende retratos, escenas costumbristas e ilustraciones de periódicos. Sin embargo, su nombre ha permanecido asociado por los historiadores del arte argentino a dos situaciones particulares : su actividad como miniaturista y su matrimonio con Bacle. No obstante, su desarrollo profesional supera estas lecturas. En efecto, la parte más importante de su tarea como artista no estuvo vinculada a la pintura de miniaturas, sino a su trabajo en el taller litográfico, donde llevó a cabo una gran actividad. Nuestro artículo busca cuestionar la figura de Andrea Bacle tal y como ha sido construida por la historiografía tradicional, a fin de trazar un nuevo perfil profesional de esta artista. Nuestro trabajo permite examinar trayectorias olvidadas a la vez que revisar las narrativas de la historia del arte y las hipótesis sobre las que se apoya la construcción del canon local.

  • Du salon à la scène : l’ascension des femmes et du piano au Brésil du vingtième siecle.

    Dans cet article, nous analysons comment Guiomar Novaes (1894-1979), Antonietta Rudge (1885-1974) et Magda Tagliaferro (1893-1986) sont devenues les premières concertistes du Brésil et les raisons pour lesquelles des femmes, plutôt que des hommes, furent les premières à atteindre ce statut dans un contexte marqué par deux normes sociales de la fin du dix-neuvième siècle qui rendaient presque impossible une telle carrière : les restrictions de genre, confinant les femmes à pratiquer le piano de façon dilettante, et l’émergence tardive de récitals de piano. Nous pouvons mieux comprendre leur ascension en considérant de façon parallèle les trajectoires d’autres pianistes comme Ernesto Nazareth (1863-1934), Luiza Leonardo (1859-1934), Chiquinha Gonzaga (1847-1935) et Souza Lima (1898-1982).

  • Insurgée en tenure de noble : Lina Bo Bardi et l’architecture brésilienne de l’après guerre

    Lina Bo Bardi, l’architecte brésilienne d’origine italienne produit un ensemble de travaux significatifs non seulement en Amérique Latine, mais aussi dans le contexte de l’architecture de la deuxième moitié du XXème siècle. Cet article propose une introduction critique à sa pensée et son œuvre, qui offrent des exemples opportuns d’hybridation culturelle en communication avec une vie intense entre différentes conditions géographiques, historiques et sociaux, aussi que de différentes visions du monde, théories et pratiques. Cette narrative expose les opportunités, les défis et les réalisations rencontrés par une femme créatrice qui établi sa réputation dans une profession traditionnellement commandé par une élite masculine en offrant, souvent, de la résistance au courant intellectuel des idées dominantes.

  • Clara Porset, diseño e identidad

    Este texto busca presentar algunos aspectos de la vida y obra de la diseñadora cubana radicada en México, Clara Porset, quien es uno de los personajes más destacados de la historia del diseño en México.

    Se narra desde su adolescencia en Cuba en busca de una vocación, su paso por instituciones destacadas en el diseño mundial como Black Mountain College donde estudió bajo la tutela de Josef Albers, hasta su llegada a México donde, impulsada por su marido el pintor Xavier Guerrero se adentra en la cultura mexicana encontrando en ella fuente de inspiración y de trabajo.

    El mobiliario tradicional mexicano y las artes populares fueron referencias fundamentales en el trabajo de esta diseñadora que tomó el Butaque como emblema de diseño y trabajó alrededor de él generando un referente cultural directamente asociado con la identidad local.

  • “Exhilarating Exile” : Four Latin American Women Exhibit in Paris

    This essay will analyze the individual exhibitions of four Latin American women artists held in Paris between the two world wars : Brazilians Tarsila do Amaral and Anita Malfatti in 1926, Mexican Lola Velásquez Cueto in 1929, and Cuban Amelia Peláez in 1933. Entering the modern art milieu involved decisions about subject matter and technique, about whether to portray national themes or avoid them, and how to negotiate the gendered implications of style. During periods of “exhilarating exile” all four of these artists entered the vibrant artistic environment in Paris and strategically positioned themselves, via their artistic choices, in relation to aesthetic debates about the role of decorative in modern art.

  • The Art of Feliza Bursztyn : Confronting Cultural Hegemony

    This article analyzes the sculpture of Colombian artist Feliza Bursztyn (1933–1982) through the lens of decolonial theory. Bursztyn has entered the canon of Colombian art history as a key modern artist, but to place emphasis primarily on her formal innovations as they contributed to the development of modern, autonomous art in Colombia is to risk minimizing the ways in which her work challenged cultural hegemony and European-American discourses of modernity. Her art can be interpreted as problematizing the assumption that “development” is the answer to “underdevelopment,” that modernity can be universally beneficial. In their confrontations with dominant power structures in Colombia that sought to control class and gender relations and morality, Bursztyn’s work exposed modernity’s dark side, coloniality.

  • "¿Cosas de Mujeres ?" : Feminist Networks of Collaboration in 1970s Mexico

    As second wave feminisms emerged throughout the world, diverse collectives and consciousness-raising groups were established in Mexico City as early as 1971. These activities gave rise to various networks of female artists who explored and politicized conceptions of the female body, making inroads in photography, performance, film and conceptual art. In this paper, I discuss the network established by Ana Victoria Jiménez, Rosa Martha Fernández and Mónica Mayer, who produced collaborative films and performances. Using gender as category of analysis, I discuss how their practices destabilized the patriarchal structures that governed art institutions in the city and defined parameters of art- making while simultaneously disrupting hegemonic visual conventions.

  • FEMINISM UNFOLDING : Negotiating In/Visibility of Mexican Feminist Aesthetic Practices within Contemporary Exhibitions

    Recent gestures in feminist and Latin American exhibitions do not sufficiently account for the unique position of Latin American artists engaging with feminist aesthetic practices. Looking to the space given Mexican artists in three recent blockbuster exhibitions, I demonstrate that the resulting curatorial constructions activate art historical mythologies that work to further solidify exclusion from the international art world. In examining the effects these in/visibilities have on collective knowledge of Latin American feminist art histories, I ultimately suggest possibilities for change rooted in critical and conceptual cartographies that speak both from and to feminism’s folds, activating intergenerational networks vital to maintaining feminism’s unfolding historical and contemporary relevance.

  • (Domestic) Spaces of Resistance : Three Artworks by Anna Maria Maiolino, Letícia Parente and Anna Bella Geiger

    This text elaborates a close reading of three artworks created in Brazil in the late sixties and seventies, A Espera (1967-2000) by Anna Maria Maiolino, Preparação I (1975) by LetíciaParente and Arte e decoração (1975) by Anna Bella Geiger. More specifically, the article aims to examine how, in these works, the multiple intersections and negotiations occurring between private and public space are explored by materializing heterogeneous images of the home. These artworks develop an iconography of the domestic, but also mobilize, in a more problematic way, the whole polysemic spectrum of the word home. Envisioning the home, and the house, as a site of passage and movement, instead of a protected and self-sufficient place, these works ironically comment on gendered divisions of space and look at how the political constantly infiltrates the private sphere.

  • Los cuerpos insubordinados de Elsa María Meléndez : arte y género en el Caribe

    Cuando observamos detenidamente el trabajo artístico de Elsa María Meléndez encontramos con frecuencia e insistencia representaciones no convencionales de cuerpos femeninos que retan directamente y sin pudor la construcción tradicionalista que en torno a las mujeres abunda en la historia del arte. Son cuerpos que no sólo asumen la diversidad como característica física sino las sexualidades en conflicto como sus más sólida particularidad discursiva.

    Haciéndose valer de la parodia como un recurso, Meléndez logra establecer en su obra y con claridad narrativas de ficción desde las cuales los deseos reprimidos se permiten hacer acto de presencia en el espacio de lo visible. La artista aborda temas y asuntos relacionados a la identidad, la sexualidad, el erotismo, la tradición y el rol social-conductual de las mujeres de manera abierta y directa y los mueve al espacio de lo público como una estrategia sólida desde la cual encara el tabú y la secretividad a la que estos temas están tradicionalmente destinados.

    Los cuerpos insubordinados de Meléndez retan de manera creativa la tradición de la labor de la aguja, el medio de la serigrafía y la mismísima historia del arte al establecer un diálogo entre la historia de las mujeres y las intensas dinámicas del arte contemporáneo.

  • Adriana Varejão : Cutting through layers of Brazilian History

    In the Entrance Figure series, one of the first major works of Brazilian contemporary artist Adriana Varejão, the female body is the canvas in which the artist challenges the historical and artistic canon. It is where the oscillation between the noble savage – in the form of the maternal and domestic muse – and the cannibal – symbolized by the perverse, macabre flesh-eating native – converge and conflate. This article examines how Varejão questions of purity in the construction of a shared identity by using multiple iconographical references in her Entrance Figures. By highlighting the layered nature of the notion of Brazilianess, what Varejão proposes is that the construction of a modern national identity is a process that brings together disparate pasts and visions of the future.

  • A woman’s place is in the “home” : The spatial politics of Daniela Rossell’s "Ricas y Famosas"

    The Ricas y Famosas series consists of nearly ninety photographs of mostly interior shots of elaborate and richly decorated houses inhabited by the women and men who own them, their friends, their children, and their domestic staff. The opulent surroundings and sheer abundance of material wealth sparked a general outcry that followed the photographs’ initial book-length publication in 2002. The female subjects bore the brunt of that criticism. In presenting such radically un-feminine representations of the home, Rossell deconstructs the symbolic exploitation of national womanhood and in doing so, exposes the fallacy of the home as a “private” space that is uncomplicated by the so-called “public” concerns of work, the economy, and mass media communication.

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Titulos: : Ortogonal Descripción : 1946. Óleo sobre cartón. 58 x 47 cm. Colección particular. París. Francia. Autor : (...)

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